English
I have always been interested in the visual image, in its depiction, in the widest sense of the word: my training in the field of visual arts took me through drawing and painting to the discovery of photography, which turned out, for me, to be a perfect language of synthesis for expressing the results of an analysis which was by that time conscious and structured, in which the "poetic of the search for identity" is central.

Photography can be a pure reproduction of reality, it can represent an alternative vision of reality itself, or even become its negation.
In my work I often seek to transport the spectator into a dimension which is unreal, undefined, and to do so using an instrument that is supposed to represent and describe reality; this generates a highly stimulating contrast.
The route that I seek to indicate is that of rediscovering "wonder" through the constant exploration of the self and of the "other self"; of the desire to go beyond the apparent state of things, of the awareness that the "extraordinary" is often concealed within the "ordinary"; of the re-appropriation of space for reflection, for imagination, for dreaming – that suspended space in which things are not what they are but become small alterable worlds.

Man is always present, but he is present with his complex interior life, sometimes as a trace left behind or as a memory of a place rather than as definite physical figure. He is almost an intangible presence, demonstrated by spaces and objects which are "living" and experienced, evoked but never described.
This evanescence seeks to emphasise the constant presence of human life, the natural inclination toward research, which makes man a "non-definite" being, in perennial evolution, never "resolved"; all the more so in an era like the present day, characterised by mobility and rootlessness, requiring a continual search for points of reference, for identity.
It is the inner dimension that interests me, the emotional DNA of humanity; the complex stratification of thought and feeling which regulates the relationships between people, between people and places, and which determines their history; and the inner dimension cannot be described, it can only be evoked.

The representation of landscape recurs in all of my work.
When we look at a landscape, we look at consciousness, myth, history; we absorb the infinite relationships of human nature: landscape is the meeting place between our ego and "existence", the place of recognition and interpretation; the place of feeling, of action and of imagination.
The landscape opens up before our eyes, it offers itself for an overall perceptive understanding which then reveals through its detail the multiplicity of elements that distinguish it; and just when we have the feeling that we have understood its physical identity, a latent image opens up, a second vision, which carries us on toward broader, deeper horizons.
The landscape therefore goes beyond what we see: closing our eyes it continues, because it is a space that is not only real, but also in the mind. Places are always, for me, also extensions of thought.
Man models territories, physical and interior, and at the same time he modifies himself and his own behaviour in order to relate with the spaces in which he lives.
The landscape is therefore a unit for measuring territorial transformations and a category of thought.
The landscape is the place through which the history of mankind passes, the place which conserves primordial instincts and emotions, holding them unchanged, while simultaneously awakening the spirit of renewal which has marked the cultural and social evolution of man.
The landscape is the place where everything is changeable and everything is always the same, new and old contemporaneously.
From these considerations, the only conclusion is that the depiction of landscape is a special means of poetic interpretation, since it always expresses our vision of the world.

I love narrative processes, developing series of pictures more than individual photographs.
Each work is conceived as a journey, which has a point of departure and a point of arrival, in which each picture represents a process of internal development.

In the series entitled Le radici del cielo I examine a theme which is very dear to me: trees.
I have always found trees enormously fascinating: since I was a child I have spent whole days observing them. What beauty and sacredness there is in those contorted century-old branches projecting towards the light, clinging to the earth as to the sky!
Trees are ascendant beings, in continual search for light, capable of slipping into an apparent state of death, and then returning to life and vigour.
Before turning my attention to photography, over the years I produced innumerable sketches and drawings, tracing out the sinuous lines of roots, trunks, furrowed bark, tangled branches, like trails of thoughts, of dreams, of lives which are pursued, interrupted, shattered, revived.
Trees are a comforting sign of life. Their century-old presence also re-dimensions the figure of mankind in the order of nature.
I have always nourished a very deep feeling toward nature and I seek to transpose this feeling into my work.
Nature, with extreme simplicity, expresses mysteries of absolute complexity, to which every line of artistic research aspires.
In Orme sul mare, the research for identity is followed through a study of water, as far as the horizon, the imaginary boundary line across which to project thoughts, affection, fears and hopes.
In the Gli occhi della città series, I venture into urban space, between the layers of the human history of living, where people interiorise places, until they become the places themselves.

It is my practice to give a single title to a body of work in order to emphasise the unity of intentions which accompanies the creative process, but I sometimes do this for individual pictures: the purpose of the title is not to provide an indication how my work is to be interpreted but only to transmit a subjective idea which I associate with that picture – a feeling that arose in my imagination at the time I took the photograph.

With regard to the way I take my photographs, I prefer to use analogue cameras and black and white film. The choice is not a strictly technical one, but is dictated by my own very personal experience, by my own feelings. After taking the first pictures with a digital camera and then comparing them with the analogue system that I have always used, I discovered something which was very simple but very important: film excites me more.
Digital photography lacks something fundamental: expectation - that magic moment between taking a photograph and developing and printing it, when the picture is finally revealed.
It is the time of reflection, of tense waiting, of the creative idea which materialises.
I do not experience that feeling of tension when I press the shutter of a digital camera, and this removes something important from the creative process.
I have no enthusiasm at all for the idea of "everything immediately", and that interlude of time between the idea of the picture and discovering whether there is a real correspondence between the idea and the result is, for me, a fundamental step.
Perhaps because of my previous experience with painting, but also by reason of my own character, I prefer working at a slower pace which allows me to assimilate and transpose the mental processes and to stratify the emotional experiences. I can say that I do not find myself in tune with today's exasperated rush against time.

It is clear that in the act of taking a photograph we circumscribe and fix a precise moment in space and time but our concern is with the final result. If I do not provide precise points of reference, if I distort or conceal identifying elements, if I choose to relate with the interior world of my observer, then the place of the photograph is no longer "that place", but "a universal place" which is de-codified using a different mental and emotional process. In this way the time factor also loses its absolute value in order to enter into the personal and relational sphere.
We are in the timeless dimension of the unconscious, in which my experiences can meet with those of any other person.
A picture is always a subtle balance of relationships and references, impressions and suggestions, in which experience plays a vital role.
When I take a photograph, my intention is therefore not to stop time, to freeze a specific instant, but to make it infinite, to convey those sensations and relationships which are to be found behind a gesture and which the picture reveals.
A photograph becomes the echo of an intention, of a voice with which anyone can relate in time.

Photography requires the curiosity to get to the bottom of things, to understand that a photograph is not simply the visual representation of a specific moment but that, before that moment, there is much more. And, above all, it is the expression of a will.
In order to take a photograph I need to have something to recount and to be sure of what I want to transmit: when a picture communicates, it is the powerful expression of a will, of a process of internal elaboration which occurs before the shutter opens. Sometimes it can simply be the result of an intuition; but an intuition is never casual – behind it there is always a latent story.
Photography, as I understand it, cannot ever be a cold calculation of composition, light etc., but always involves personal "feeling".
Photography involves choosing: choosing what to see, what to show and how to show it. It is therefore a heavy responsibility.

Starting from real fact, photography has an extraordinary power: the capacity to fix itself in the memory like few other forms of visual representation.
Every image left by a picture, every emotion which is linked to it, every fragment of memory which is attached to it, becomes a personal and unique repository which holds its universal value.
When the voices are many and become superimposed, it is the absence of sound which stems chaos. I often seek in my pictures to give a voice to silence.

Italian
L’interesse per l’immagine, per la rappresentazione, nel senso più ampio del termine, mi accompagnano da sempre: il mio percorso formativo nel campo delle arti visive è passato attraverso il disegno e la pittura, fino alla scoperta della fotografia, che si è rivelata, per me, linguaggio di sintesi perfetto per esprimere gli esiti di un’analisi ormai consapevole e strutturata, in cui è centrale la “poetica della ricerca di identità”.

La fotografia può essere pura riproduzione della realtà, rappresentare una visione alternativa della realtà stessa o perfino diventarne la negazione.
Nel mio lavoro cerco spesso di trasportare lo spettatore in una dimensione irreale, indefinita, e farlo con uno strumento eletto a rappresentare e descrivere la realtà, genera un contrasto molto stimolante.
La via che cerco di indicare è quella della riscoperta della “meraviglia”, attraverso la costante esplorazione di sè stessi e dell’“altro da sè”; della volontà di andare oltre lo stato apparente delle cose, della consapevolezza che spesso lo “straordinario” si nasconde nell’“ordinario”; della riappropriazione dello spazio della riflessione, dell’immaginazione e del sogno. Quello spazio sospeso in cui le cose non sono quello che sono ma diventano piccoli mondi modulabili.

L’uomo è sempre presente ma lo è con la sua complessa vita interiore, a volte come una traccia lasciata o come memoria di un luogo piuttosto che come figura fisica definita. É quasi una presenza immateriale, testimoniata da spazi ed oggetti “viventi” e vissuti, evocato ma mai descritto.
Questa evanescenza vuole sottolineare la costante della vita umana, l’inclinazione naturale alla ricerca, che fa dell’uomo un essere “non-definito”, in perenne evoluzione, mai “risolto”; ancor più in un’epoca come quella attuale, caratterizzata dalla mobilità e dallo sradicamento, che impongono una continua ricerca di punti di riferimento, di identità.
É l’interiorità che mi interessa, il dna emotivo dell’umanità; la complessa stratificazione di pensiero e sentimento che regola i rapporti tra le persone, tra le persone e i luoghi, e ne determina la storia; e l’interiorità non può essere descritta, può solo essere evocata.

La rappresentazione del paesaggio è ricorrente in tutti i miei lavori.
Quando lo sguardo si apre al paesaggio, si apre alla conoscenza, al mito e alla storia; si appresta a cogliere le infinite relazioni della natura umana: il paesaggio è il luogo di confronto del nostro io con l’“esistente”, del riconoscimento e dell’interpretazione; il luogo del sentire, dell’agire e dell’immaginare.
Esso cresce sotto il nostro sguardo, si offre ad una comprensione percettiva globale per poi rivelare nel particolare i molteplici elementi che lo caratterizzano; e proprio quando si ha l’impressione di averne colto l’identità fisica, si schiude un’immagine latente, una seconda visione, che ci porta ad orizzonti più ampi, più profondi.
Il paesaggio va quindi oltre lo sguardo: chiudendo gli occhi esso continua, perché non è solo spazio reale, ma anche mentale. I luoghi sono sempre, per me, anche estensioni dei pensieri.
L’uomo modella territori, fisici ed interiori ed allo stesso tempo modifica se stesso e le proprie abitudini per relazionarsi agli spazi che vive.
Il paesaggio è dunque unità di misura delle trasformazioni territoriali e categoria di pensiero.
Il paesaggio è il luogo dove transita la storia dell’umanità, il luogo che custodisce, inalterati, istinti ed emozioni primordiali, svelando simultaneamente lo spirito di rinnovamento che ha segnato l’evoluzione culturale e sociale dell’uomo.
Il paesaggio è il luogo dove tutto è mutevole e tutto è sempre uguale, moderno e antico allo stesso tempo.
Partendo da queste riflessioni non può che derivarne che la rappresentazione del paesaggio sia un mezzo privilegiato di interpretazione poetica, poiché esprime sempre la nostra visione del mondo.

Amo i processi narrativi, sviluppare percorsi di immagini più che singoli fotogrammi.
Ogni lavoro è concepito come un viaggio, che ha un punto di partenza ed uno di arrivo, in cui ogni immagine è la rappresentazione di un processo di maturazione interiore.

Nella serie Le radici del cielo mi avvicino ad un tema a me molto caro: gli alberi.
Gli alberi mi hanno sempre affascinato enormemente: ho trascorso giornate intere ad osservarli, fin da bambino. Quanta bellezza e sacralità in quei contorti legni centenari proiettati verso la luce, aggrappati alla terra come al cielo!
Gli alberi sono esseri in ascesa, alla continua ricerca di luce, capaci di scivolare in uno stato di morte apparente per poi riprendere vita e vigore.
Prima di approdare alla fotografia, ho realizzato nel corso degli anni innumerevoli schizzi e disegni, ripercorrendone le linee sinuose delle radici, i fusti, i solchi della corteccia, l’intreccio dei rami; come trame di pensieri, di sogni, di vite che si rincorrono, si interrompono, si spezzano, rinascono.
Gli alberi sono un confortante segno di vita. La loro presenza secolare inoltre ridimensiona anche la figura dell’uomo nell’ordine della natura.
Ho sempre nutrito un sentimento della natura molto profondo e cerco di trasporre questo sentimento nel mio lavoro.
La natura esprime con estrema semplicità misteri assolutamente complessi: quello a cui ogni percorso di ricerca artistica aspira.
In Orme sul mare, la ricerca di identità passa attraverso uno sguardo che corre sull’acqua, fino all’orizzonte, linea di confine immaginaria oltre la quale proiettare pensieri, affetti, paure e speranze.
Nella serie Gli occhi della città mi avventuro nello spazio urbano, tra gli strati della storia umana dell’abitare, dove le persone interiorizzano i luoghi, fino a diventare i luoghi stessi.

É mia abitudine dare un titolo unitario ad un corpo di lavoro, proprio per sottolineare l’unità di intenti che accompagna il percorso creativo ma a volte questo accade anche per singole immagini: il titolo non vuole fornire un’indicazione di lettura dell’opera ma solamente trasmettere un’idea soggettiva, da me associata a quella specifica immagine; una suggestione che l’immaginazione mi ha suggerito al momento dello scatto.

Per quanto riguarda gli strumenti utilizzati, prediligo macchine analogiche e pellicola bianco e nero. Non è una scelta prettamente tecnica, ma dettata dalla mia personalissima esperienza, da sensazioni provate: dopo i primi scatti con una macchina digitale ed il conseguente raffronto con il sistema analogico da sempre utilizzato, ho constatato una cosa, tanto semplice quanto importante: la pellicola mi emoziona di più.
Al digitale manca una cosa fondamentale: l'aspettativa. Quel momento magico che trascorre dallo scatto allo sviluppo, alla stampa, quando l'immagine finalmente si rivela.
É lo spazio di una riflessione, di un’attesa carica di tensione, dell'idea creativa che si materializza.
Quella tensione quando stringo tra le mani un apparecchio digitale non la avverto e questo toglie qualcosa di importante al processo creativo.
Il “tutto subito” non mi entusiasma affatto e quella parentesi temporale che intercorre tra l'idea dell'immagine e la verifica della reale corrispondenza tra idea e risultato è per me un passaggio fondamentale.
Forse per la mia precedente esperienza con la pittura, ma anche per una questione caratteriale, prediligo ritmi di lavorazione più lenti, che mi permettano di assimilare e trasporre i processi mentali e di stratificare le esperienze emotive. Posso dire di non trovarmi in sintonia con l'esasperata corsa odierna all'azzeramento dei tempi.

È evidente che nell’atto del fotografare noi circoscriviamo e fissiamo un preciso momento spazio-temporale ma è l’intenzione a caratterizzare il risultato finale. Se non fornisco precisi punti di riferimento, se distorco o nascondo elementi identificativi, se la mia scelta è di rapportarmi col mondo interiore di chi osserva, il luogo della fotografia non è più “quel luogo”, ma “un luogo universale” che viene decodificato con un processo mentale ed emotivo differente. Così anche il fattore tempo perde il suo valore assoluto per entrare nella sfera personale e relazionale.
Siamo nella dimensione atemporale dell’inconscio, in cui le mie esperienze possono incontrare quelle di qualsiasi altra persona.
Un’immagine è sempre un sottile equilibrio di relazioni e rimandi, di impressioni e suggestioni, in cui il vissuto gioca un ruolo determinante.
Quando fotografo, quindi, il mio intento non è quello di fermare il tempo, di congelare un istante, ma quello di dilatarlo all’infinito, di veicolare quelle sensazioni e relazioni che stanno dietro ad un gesto e che l’immagine svela.
Una fotografia diventa l’eco di un’intenzione, di una voce con la quale chiunque può relazionarsi nel tempo.

Fotografare richiede la curiosità per andare a fondo nelle cose, per capire che una fotografia non è semplicemente la rappresentazione visiva di un momento ma, a monte, c'è molto di più. Ed è innanzi tutto l'espressione di una volontà.
Per fotografare devo avere qualcosa da raccontare ed essere sicuro di ciò che voglio trasmettere: un'immagine comunicativa è l'espressione forte di una volontà, di un processo di elaborazione interiore, precedente allo scatto, che si concretizza. A volte può essere semplicemente frutto di un'intuizione ma un’intuizione non è mai casuale, nasconde sempre una storia latente.
La fotografia, come la intendo, non può mai essere un calcolo freddo di inquadratura, luce ecc. ma significa sempre mettere in campo il proprio "sentire".
Fotografare è scegliere: scegliere che cosa vedere, che cosa far vedere e come farlo vedere. Quindi è anche una grossa responsabilità.

Partendo dal dato reale, la fotografia ha un potere straordinario: la capacità di fissarsi nella memoria come poche altre forme di rappresentazione visiva.
Ogni sguardo attraverso cui un’immagine passa, ogni emozione a cui si lega, ogni frammento di memoria in cui si fissa, diventa una personale ed unica cassaforte che ne custodisce il valore universale.
Quando le voci sono tante e si sovrappongono è l’assenza di suono ad arginare il caos. Spesso cerco con le mie immagini di dare una voce al silenzio.